Gott ist in den Nuancen - Gedanken zu Hifi

Gott ist in den Nuancen - Gedanken zu Hifi

Vor kurzem stieß ich im Netz auf einen recht interessanten Artikel von einem Redakteur eines renomierten HiFi-Magazins. Ich fand ihn so interessant, daß ich mir die Mühe gemacht habe einige Abschnitte – mit Hilfe von Google und auf die Schnelle, aber weitgehend sinngemäß – zu übersetzen.

Die Übersetzung ist zwar recht "holperig" und viele Satzkonstruktionen sind sehr verschachtelt und vieles in Deutsch umständlich formuliert, aber den Sinn kann man - so denke ich - recht gut herauslesen. Wie gesagt es ist eine schnelle automatisierte Übersetzung mit geringer Nacharbeit...

Den ganzen Orginal-Artikel ist gibt’s hier in Englisch:

http://www.stereophile.com/features/203/index.html#r6BTMC2oDLOkae9j.97

 

Lassen Sie mich mit dem Gedanken an einen anderen Forscher eine neue Denk-Richtung vorstellen: Jean-Marie Piel, ein 45-jähriger Journalist wohnhaft in Paris, Frankreich. Im Alter von 15 baute Piel seine erste HiFi-Kette, bestehend aus einem Röhrenverstärker und Supravox Lautsprechern mit einem einzigen Chassis pro Kanal. Nach seinem Abitur, dem Französisch Äquivalent eines High-School-Diploms, begann er Literatur und Philosophie zu studieren. Er brachte sich selbst bei, Flöte zu spielen, die er 13 Jahre lang lernte --- beginnend im Alter von 23 --- am Conservatoire de Fontainebleau. Ab dem Alter von 20 arbeitete er auch als Journalist für HiFi und Musikzeitschriften, unter anderem Artikel und Beiträge für "Arts Sonores" in L'phile, dem einflussreichen Französisch Underground-Magazin. Seit 1985 ist er für den Sound Abschnitt von Diapason verantwortlich, dem größten Musik- und Sound Magazin in Frankreich, als Joint-Editor-in-Chief. Er schreibt auch regelmäßig für Paris-Match. Jean-Marie Piel hört praktisch jede CD, die im Französischen Markt angeboten wird, wählt zwei bis vier jeden Monat als musikalisch und klanglich hervorragend aus. Sein Wissen über Musik, Instrumente und Musiker ist enzyklopädisch. Er kann die Unterschiede zwischen den Instrumenten aus verschiedenen Epochen erklären und warum sie in einer bestimmten Art und Weise weiterentwickelt wurden.

Er schreibt:

"Mit seinem gewohnten ironischen Humor, sagte Paul Valéry einmal, dass "das Problem beginnt, wenn man das GANZE für einen TEIL aufgibt „--- ein Satz, der für viele HiFi-Enthusiasten zutrifft und der auch die Perversität beschreibt, die uns betrifft, wenn wir uns die Freude nehmen, indem wir mit Geräten Musik hören die Lautsprecher genannt werden. Moderne Aufnahme-Techniken, die die Tendenz haben, Technologisch Amok zu laufen und das einzelne Detail auf Kosten des ganzen Ensembles mehr pushen, begünstigen uns in die folgende Richtung: mehr fragmentiert zu hören, selbst wenn man sich gegen Übergeneralisierungen zu schützen versucht. Mit der Tatsache, das 20 Mikrofone für die Aufnahme eines Orchesters verwendet werden, besteht kaum eine Chance die Zusammengehörigkeit des Ensembles zu erhalten. Wir sind dann darauf reduziert, Details zu hören; unser Interesse gilt nichts anderem. Aber die Musik vermeidet das Detail. Wenn das Detail Vorrang hat, ist es nichts anderes als ein Sound, ein Stück Sound. Der die Musik durchläuft --- wenn Sie die Musik stoppen um das Detail zu untersuchen, ist diese bereits weitergezogen. Natürlich ist der Sound das notwendige Medium für die Musik. Es ist der Sound, der die Musik macht, nicht die Noten. Dennoch ist es ein mysteriöses Paradox, daß Wiedergabetreue des Sounds nicht immer die Wiedergabetreue zur Emotion der Musik mit sich bringt, was die Seele der Musik ist.

"Darin liegt das Problem: Wenn man eine HiFi-Anlage beurteilen will, neigt man dazu, sich fälschlicherweise auf rein akustische Details zu konzentrieren --- sind die unteren Mitten gut und klingen die extremen Höhen leicht auf dem Ohr. Als ob man sich solche Fragen bei einem Konzert stellen würde? In einem Konzert, ist kein Woofer, kein Hochtöner, es gibt nur Musiker die spielen. Beim Hören einer Hifi-Anlage, sollten auch nur sie allein (die Musiker) zu hören sein. Es ist wahr, dass viele Komponenten in allen Preisklassen, uns nicht einladen, dies zu tun (die Musiker „spielen“ zu hören), sondern unsere Aufmerksamkeit direkt auf den Sound (der Anlage) lenken. Wir haben dann jeden Anlass zu erkennen, dass die unsichtbare Verbindung zwischen den Noten, die den musikalischen Sinn ergeben, nicht wiedergegeben wird. Es gibt keine Halskette, sondern nur Perlen. . . diese können schön sein, ebenso wie die von bestimmten hochentwickelten Systemen erzeugten Sounds, die das Signal hervorragend und mit einer gewissen unerbittlichen Kälte (certain implacable coldness) reproduzieren, aber die Seele der Musik vermissen lassen.

"Die ganze Schwierigkeit liegt darin, zu analysieren, was am Sound fehlt, wenn die Musik nicht lebt – leblos ist. Für den Anfang einer Antwort können wir unsere Aufmerksamkeit auf bestimmte Ketten richten, die zwar manchmal etwas colorieren, die untere oder die obere Oktave fehlt, die aber das Leben und die Magie der musikalischen Darbietung reproduzieren. Eine gewisse „timbral Wiedergabetreue“ fehlt zwar auch, aber in einem breiten Mitteltonbereich, wo das Wesen der musikalischen Energie konzentriert ist (zwischen etwa 200Hz und 4kHz), sind sie fähig Nuancen perfekt zu reproduzieren: das heißt, die Intensität der Zusammenhänge zwischen den Tönen;... oder, um genauer zu sein, die Schwankungen der Intensität innerhalb eines einzigen Tons zu reproduzieren. Das ist, wo das Leben ist, es ist genug, um eine von einem Musiker gehaltene Note zu analysieren. Sie gewinnen das Bewusstsein, dass diese gehaltene Note von einem Musiker kommt, der nicht eine Maschine ist, weil es unendlich kleine Instabilitäten gibt. Der Klang hat nicht eine konstante Intensität. Sicher, die Schwankungen sind sehr klein, aber sie existieren. In der Fähigkeit, diese unendlich kleinen Nuancen zu reproduzieren liegt die Antwort auf die Frage, ob eine Kette Musik leben lässt, oder ob die Musik einfach nur „tote Noten“ sind.

"Ein weiteres Beispiel: Hören Sie wie ein Geiger wie Salvatore Accardo in einem Beethoven-Konzert Klänge sich förmlich entwickeln lässt, wie er bestimmte Noten hart anspielt, mit einem breiten Vibrato (Variationen in Tonhöhe und Lautstärke), dann schrittweise die Intensität bis zum Ende verringert (dies für sich selbst umfasst mehrere Ebenen der Nuancierung), und er schliesslich mit dem Schweigen „flirtet“. Die Art, wie er die Note ausklingen lässt, oder „sterben“ lässt, ist so subtil, dass man nicht recht weiß, wo die Noten endet und die Stille beginnt. Aus dieser Unsicherheit, die es schwer macht dies zu hören, diese faszinierende Passage aus dem Nichts zu retten, entsteht eine starke Emotion. Wenn Oberflächlichkeit in die Reproduktion eintritt --- eine Art grobe Vereinfachung in der Wiedergabe von Nuancen, die den Eindruck, den die Note gibt, anstatt zu sterben diese unmerklich entfernt, brutal abgeschnitten wird --- wird die Magie der Interpretation sofort zerstört. Der Künstler lässt uns gleichgültig, weil er uns nicht zwingt, unsere Ohren an die äußeren Grenzen der Hörbarkeit zu trainieren.

"Das Wesen der Interpretation liegt auf dem unendlich Kleinen --- sei es der Anschlag einer Note der für einen Bruchteil einer Sekunde zurückgehalten wird (wahrnehmbar, wenn die vorhergehende Note weder zu kurz noch zu lang wiedergegeben wird), oder eine Note, die sich in sich selbst entwickelt; oder, auf einer größeren Ebene, ein Crescendo oder Diminuendo das mehrere Noten umfasst --- all das was Musik ein Gefühl der Richtung, eine spürbare Dynamik, ein sprühendes Leben gibt, liegt letzten Endes in den Nuancen.

"Was übrigens erklärt, warum bestimmte alte Lautsprecher mit einer sehr hohen Empfindlichkeit und damit einer sehr hohen Präzision bei der Wiedergabe von Dynamik, vor allem von sehr kleinen Signalen --- wie bestimmte Röhrenverstärker mit sehr einfachen Schaltungen --- trotz mehr oder weniger offensichtlicher „Coloration“ und dem Fehlen einer oder zwei Oktaven, es schaffen mit „verstörender Wiedergabetreue“ (disturbing fidelity) all die emotionale Intensität einer Interpretation zu reproduzieren. Was unseren Designern zu denken geben sollte und sie davon überzeugen sollte, dass die musikalisch wichtigere Art der Dynamik die ist, die sich selbst in Stille (silence) verliert, nicht die Art, die sich in Lärm (noise) verwandelt."

Lernen von unseren Vorfahren.

Ich denke, es ist kein Zufall , dass Jean-Marie Piel "alte" Technologie als Inspiration betrachtet. Einige dieser alten Technik kann immer noch überraschend gut mithalten. Die amerikanische Presse , mit der gelegentlichen Ausnahme von Sound Practices, hat sich bisher auf Triode Verstärker konzentriert als "die neue Sache". Lautsprecher erhalten viel weniger Aufmerksamkeit. Ich habe meine Meinung über Triode-Amps und ihre Qualitäten in diesem Magazin bereits gegeben, und in der letzten Zeit gab es eine Reihe von Artikeln über die Single-Ended-Trioden. Statt weiter diese „Sucht“ der Verstärkung mit Triode (die, im Gegensatz zu dem, wie Sie geführt wird, kein Allheilmittel sind, wenn wir über Verstärker zu sprechen haben, würde ich es vorziehen, die Rolle des Vorverstärkers zu betonen), lassen Sie mich zunächst auf ein anderes Stück der Hifi-Kette konzentrieren mit der Notwendigkeit einer Neubetrachtung: der Lautsprecher.

Lassen Sie uns mit einem ungewöhnlichen Element alter Technologie starten: Vintage-Röhrenradios. Diese von den 1940er Jahren bis in die 1960er haben oft eine erstaunlich gute Klangqualität. Der Frequenzbereich der Breitbandlautsprecher ist zwar stark eingeschränkt, aber sie haben eine magische Kohärenz, die vieles ausgleicht. Alle wirklich guten Geräte scheinen eine Single-Ended- Röhre zu haben, nicht unbedingt eine Triode; aber auch eine EL86 Pentode in einer Single-Ended-Topologie kann wunderbar klingen. (By the way, Jean -Constant Verdier , Designer des besten Plattenspielers den ich je das Vergnügen hatte zu hören, hat eine riesige Sammlung von alten Röhrenradios).

Einer der interessanten Fakten über alte Röhrenradios ist die Art, wie sie die ihre Gehäuse nutzen. Diese sind nicht darauf ausgelegt, so akustisch tot wie möglich zu sein, wie bei den meisten modernen Lautsprechern, sondern sie dürfen mit der Musik schwingen, einem Charakterzug den sie mit vielen alten Lautsprechern teilen. Die Größe und Dichte der Holzplatten ist so dimensioniert, dass die unvermeidlichen Resonanzen des Gehäuses im Einklang mit der Musik sind. Musik scheint durch sie unbeschadet zu passieren. Wenn Sie auf den Klang moderner Lautsprechergehäuse hören (mit einem an die Box gedrücktem Ohr, oder mit einem Stethoskop), werden die meisten schrecklich klingen. Der vom Gehäuse einer „Altec Voice of the Theatre“ wiedergegebene „Klang“ ist demgegenüber viel weniger störend.

Eine weitere Facette dieses Phänomens ist die Art und Weise wie der Raum durch einen Lautsprecher mit derart „intoniertem“ Gehäuse mit Energie versorgt wird. Der Klang, vor allem die unteren Frequenzen, wird von der gesamten Oberfläche des Gehäuses ausgestrahlt, nicht nur vom Chassis. Dies scheint im Wesentlichen das gleiche zu sein, wie die Verwendung mehrerer Treiber oder Dipole. Einer der überzeugendsten Lautsprecher ich je gehört habe ist nach den Prinzipien aufgebaut, die mehr mit der Herstellung von Musikinstrumenten zu tun haben, als mit der orthodoxer HiFi- Lautsprecher.

Ein weiterer Aspekt der alten Lautsprecher ist, dass sie dazu neigen, Abmessungsverhältnisse diametral entgegengesetzt zu denen der modernen Lautsprecher zu haben. Moderne Lautsprecher haben in der Regel sehr schmale Fronten, der umschlossene Raum reicht für einen angemessenen Bass – die erforrderliche Treiberanpassung erfolgt, indem der Lautsprecher groß und tief wird. Im Vergleich dazu neigten alten Lautsprecher dazu breit aber flach zu sein. Dies hat weitreichende Folgen für die Schallverteilung (im Raum). Sobald die Schallwand schmaler wird als die Wellenlänge eines Tons der von einem seiner Chassis abgestrahlt wird, wird der abgestrahlte Schall nicht mehr durch die Schallwand reflektiert und vom Lautsprecher zum Hörer projiziert, unter daß der Annahme der Hörer vor den Lautsprechern sitzt ; stattdessen wird er um die Lautsprecher herum wandern und nach allen Seiten abstrahlen.

Typischerweise werden die niedrigen und mittleren Frequenzen ziemlich gleichmäßig im Raum verteilt, während hohe Frequenzen in einem engen Winkel projiziert werden. So ist die Energiekonzentration an der Stelle des Hörers im Raum mehr zu den hohen Frequenzen gekippt. Viele Designer kompensieren dies durch eine leichte Neigung clockward im Lautsprecherfrequenzgang, wobei ein leichter Rückgang von niedrigen zu hohen Frequenzen erfolgt. Der indirekte Klang, der in „nichttoten“ Hörräumen einen wichtigen Teil der Gesamtgestalt des Schalls ausmacht, die empfundene Klangbalance, wird dann als fehlende Hochfrequenzenergie wahrgenommen. Der Lautsprecher klingt dumpf. Um dies zu verhindern, wird dann oft ein Anstieg auf der Achse in der oberen Oktave des Hochtöners erzeugt. Leider ergeben zwei Fehler kein richtig. Alte Lautsprecher, die breitere Schallwände haben, projezieren mehr Energie bei niedrigeren Frequenzen zum Zuhörer und haben eine natürliche Balance zwischen mittleren und hohen Frequenzen , ohne Neigung im Frequenzgangs.

Ich denke, dass dieser Faktor, die tonale Balance, ein weiterer wichtiger Aspekt ist, in dem alte Geräte einen Vorteil gegenüber viel modernerer Ausstattung haben, und dies ist ebenso wichtig wie die Low-Level-Dynamik von der Jean-Marie Piel redete. Jean Hiraga, ein Französischer Journalist, dessen Schriften meist in der Nouvelle Revue du Son erscheinen, hat oft das "Gesetz von 400.000“ zitiert: Das Produkt der (zwei) -3dB Punkte des Lautsprechers sollte immer 400.000 sein. Wenn ein Lautsprecher -3 dB bei 20Hz hat, so sollten -3dB auch bei 20000Hz sein; wenn ein Lautsprecher -3dB bei 40Hz hat, so sollten -3dB bei 10000Hz sein; und so weiter. Dieses Gesetz ist stark vereinfacht, weil es sich nur auf den Frequenzgang auf Achse bezieht. Idealerweise sollte es zum im Raum gemittelten Frequenzgang angewendet werden. Viele moderne Lautsprecher sind flach (im Frequenzgang) oder sogar in der letzten Oktave nach oben gekippt, wie wir oben gesehen haben, und ohne einen angemessenen Bass um dieser Hochton-Erweiterung ein Gegengewicht zu geben.

Ein weiterer Aspekt der alten Lautsprecher, der mir wichtig scheint, sind deren Chassis. Alte Lautsprecher haben alle eine pneumatische Ankopplung. Wenn die Membran eines Lautsprecherchassis durch Spannung und/oder Strom an der Schwingspule angetrieben wird , wird die Luft vor der Membrane vorwärts weggeschoben. Je nach Membran-Größe und der Dauer und Geschwindigkeit der Auslenkung wird die Luft vor dem Lautsprecher mehr oder weniger bereitwillig auf das Eingangssignal reagieren (der Fachbegriff ist die akustische Impedanz). Es gibt einen Punkt, bei dem die Luft mehr oder weniger unbeeindruckt ist von der Anregung durch die Membrane, mit einem umgekehrten Verhältnis zwischen Frequenz und Lautstärke auf der einen Seite und der Membrangröße auf der anderen Seite. (Lautstärke ist eine Funktion der bewegten Luft; um eine größere Lautstärke zu erreichen, müssen Sie entweder die Oberfläche oder die Auslenkung der Membran erhöhen.)

Einfach ausgedrückt, einen Bass-Ton laut zu reproduzieren, brauchen Sie eine ziemlich große Membran; für einen hohen Ton, genügt eine viel kleinere Fläche (falls Sie sich gefragt haben, warum Ihr Hochtöner kleiner als Ihr Woofer ist). Oberhalb einer bestimmten Frequenz, wird die Luft effektiv den Bewegungen der Membran folgen, vorwärts und rückwärts schwingen. Unter diesem Punkt ist die Trägheit der Luft zu groß, um vom Chassis beeinflusst zu werden --- vergleichen Sie die Wirkung Ihrer Hand beim winken mit einem Ping-Pong- Schläger. Da gibt’s auch ein Punkt, an dem Auslenkung nicht durch Membrangröße ersetzt werden kann, da die Luft nicht mehr effizient an den Antrieb gekoppelt ist.

Dieses akustische Impedanz Zeug ist einer der Gründe, warum Hörner einmal so beliebt waren. Ein Horn kann als ein akustischer Impedanzwandler gesehen werden: Die Luft vor dem Chassis kann nicht zu den Seiten entweichen, wenn sie durch die Membran angeregt wird, sondern sie muss getreu der Anregung folgen. Durch die sanfte Erweiterung des Kanals, durch den die Schallwellen müssen, werden diese Luftbewegungen an eine immer größere Menge an Luft weitergegeben, bis Sie an das Ende des Horns kommen. In einem gewissen Sinne kann die Luftmenge, die im Horn-Auslass vorhanden ist, als die effektive Antriebsfläche des Horntreibers angesehen werden, denn es ist diese Luft, die mit dem Rest des Raumes reagiert. Je größer die Fläche, desto weniger Auslenkung wird benötigt um bei einer bestimmten Lautstärke zu spielen; und bei Lautsprechern gilt, je weniger Auslenkung desto besser.

Ein großer Tieftöner braucht ein großes Gehäuse dahinter, was es unpraktisch für viele Menschen macht. Ich denke, es ist kein Zufall, dass der kleine unendliche Schallwand Lautsprecher erfunden wurde, als Stereo verfügbar wurde. Ein großes Gehäuse, für mono, kann noch erträglich sein, aber zwei solche Ungetüme sind mehr als das, was die meisten Menschen in ihren Wohnzimmern tolerieren. Gut, sage ich. Seien Sie sich bewusst, dass es einen Preis (sonic price) gibt, den Sie für den kleinen Woofer zahlen.

Es gibt eine andere Komponente der HiFi- Kette die ich kommentieren möchte: den Tonabnehmer, für diejenigen von uns, die noch auf Vinyl hören. Vor einiger Zeit überprüfte ich ( für ein deutsches Magazin) die neueste Iteration des EMT Systems, ein Design, das in den frühen 60er Jahren begann. Beim Hören mit diesem EMT Systems wurde mir klar, nach einer Flut von neueren Konstruktionen, dass bestimmte klassische Designs (deren Anzahl umfasst das Denon DL 103 und die Ortofon SPU -Serie) eine emotionale Richtigkeit haben, die stark an das Herz und die Seele des Hörers anspricht , auch wenn sein Kopf einige nicht sehr subtile Abweichungen von der Linearität erkennen kann. DAs EMT hat einen viel farbigeren Klang als viele moderne Systeme. Doch es macht verdammt viel mehr Spaß dies zu hören als die modernen, ach so sorgfältig flach getrimmten Designs. Wann haben Sie das letzte Mal gelesen, dass ein System wirklich „get down and boogie“ konnte?

Eine Änderung in der Denk-Richtung?

Ich bin sicher, dass ich mehr Fragen in den Köpfen der Leser mit diesem Artikel aufgeworfen habe, als ich Antworten zur Verfügung gestellt habe. Ich hoffe jedoch, eine Diskussion anzuregen, die zu einem besseren Verständnis davon, wie Sound die Emotionen beeinflusst, und wie Geräte, die dieser Art und Weise der Emotion nicht im Wege steht, entworfen werden. High End ist zu technokratisch geworden, zu selbstsicher, vielleicht sogar ein wenig arrogant. Nach meiner Einschätzung haben wir nur die Oberfläche angekratzt in dieser ganzen Angelegenheit der Musikwiedergabe zu Hause. Einige Demut würde eine genauere Wahrnehmung unserer Leistungen in diesem Bereich ergeben. Persönlich bin ich in der Regel sehr unglücklich, wenn jemand sagt, was ich genießen sollte und was nicht.

Anstelle einer Schlussfolgerung, biete ich diese Beobachtung: Es ist eine Paradigmenwechsel im Gange in der Welt der Musikwiedergabe. Für die letzten 40 Jahren oder so, kann das High-End Ziel auf Quad´s berühmtes Motto zusammengefasst werden: "Der nächsten Annäherung an den Original-Sound" Aber es gibt eine wachsende Bewegung, dass sich weigert nach diesem Motto zu handeln und sich seine stattdessen ein eigenes Motto zu schaffen: die größte Annäherung an das ursprüngliche Gefühl.

 

Ende der betrachteten Teile des Orginalartikles.

 

 

Mein persönliches Resümee des Artikels:

Der Text zeigt sehr schön das Dilemma, mit dem nicht nur ich im Laufe meiner HiFi-Entwicklung konfrontiert wurde: Auch die besten und technisch perfektesten Komponenten oder der „optimale“ Raum, sind kein Garant für eine Anlage die Emotionen weckt - oder wie Theo es mal ausdrückte: „bei der man Gänsehaut bekommt“. Er zeigt auch, daß dies nicht nru von der Art der Musik oder der Hörerfahrung abhängt sondern, daß es sehr wohl technische Gründe dafür gibt.

Der Artikel zeigt einen Ansatz auf (die Analyse alter Gerätedesigns) dessen „Erkenntnisse“ mir auch sehr bekannt vorkommen und auf die ich im Laufe meiner eigenen Anlagenoptimierungen auch gekommen bin (wenn auch aufgrund einer anderen Herangehensweise und mit anderen Erklärungen).

Beispiele:

Grosse Membranfläche für guten Bass.
Das konnte ich mit meinen HSB21“ TT-Boxen sofort nachvollziehen (und nicht nur die Basswiedergabe hat sich verbessert!).

Die Art wie der Raum durch einen Lautsprecher mit … Energie versorgt wird - also Schall nicht nur direkt zum Hörer kommt.
Auch das kann ich mit meinen Dipolen sehr gut nachvollziehen. Je mehr Schall in bestimmter Art „in den Raum projeziert wird“, desto „authentischer“ wird die Wiedergabe (was im Übrigen ja auch gut zu den Ausführungen von Blauert oder Linkwitz passt). Durch Ändern der Lautstärke meiner hinteren MSW sehr schön zu demonstrieren – was aber auch ins Gegenteil umschlagen kann, zeigt aber die Wichtigkeit der „richtigen“ Schallabstrahlung in den Raum.

Grosse Schallwand.
Auch die Schallwände meiner Diskus-Boxen sind rel. gross (70cm Durchmesser) und Josef Manger hat sie auch mit Blick auf eine möglichst „grosse“ Reflexionsfläche der vom MSW abgestrahlten Wellenfronten bewusst so gross und mit Wölbung designt.

Tonale Balance.
Je mehr meine DIRAC Zielkurve einen weitgehend kontinuierlichen Abfall vom TT zu den Höhen hat, desto „natürlicher“ wurde die Wiedergabe – Vorherige Versuche mit bewussten Senken oder zu grossen Anhebungen im Bass oder im HT brachten immer nur kurzfristige „Erfolge“ (Die 400.000er Regel werde ich auch noch probieren…).
Wobei meine TT-Boxen ja auf Achse im Nahfeld ihren -3db-Punkt bei ca. 50Hz haben und meine MSWs ja im Hochton auf Achse auch einen deutlichen Abfall haben. Der Bass, der dann am Hörplatz durch die Aufstellung im Raum verstärkt wird, wird durch die zusätzliche Hochtonenergei durch die rückwärtigen MSW (über die Refelexionen) ausgeglichen... könnte passen...

Die Wichtigkeit „einer sehr hohen Präzision bei der Wiedergabe von Dynamik, vor allem von sehr kleinen Signalen“ – die Wichtigkeit der guten Reproduktion von Nuancen.
Je besser die Signalreproduktionstreue wurde – also als Folge wie wenig die „Form“ des Signals verändert wird (z. B. durch mit DIRAC-kompensierte FW-Filter, durch einen DAC ohne Pre- und Postringing, durch Endstufen hoher Bandbreite, durch Biegewellen-Chassis), die ja letztendlich die „kleinen Signale“, die Nuanvcen“ beinhalten – desto „authentischer“ wurde die Wiedergabe. Ich habe ja gerade das Phänomen, daß selbst beim sehr leise hören, noch jede Menge Nebengeräusche und „Details“ wahrnehmbar sind.
Es gibt Aufnahmen, bei denen man, nachdem die Musiker aufhören zu spielen - also eigentlich nichts mehr zu hören ist – noch den Raum hört... so als tiefer Grundhall. Es ist deutlich vom Rauschpegel – den es bei anderen Aufnahmen gibt - zu unterschieden und man hört sofort, wenn das (elektrische) Signal aufhört (erst da wird einem bewusst, daß man vorher noch was gehört hat!).
Wie schrieb er: …“ dass die musikalisch wichtigere Art der Dynamik die ist, die sich selbst in Stille (silence) verliert, nicht die Art, die sich in Lärm (noise) verwandelt“.

 

Nachtrag 16.03.2016

Ein ebenfalls zum o. a. Denkansatz passendes Hörerlebnis hatte ich vor Kurzem bei einer (wirklichen) HighEnd-Anlage (YG Anat II Boxen mit Krell-Mono-Endstufen, Conrad-Johnson Röhren-Pre und Lampizator DACs in einem ca.60qm Raum – Anlagen-Neuwert >150.000 Euro!):

Mein erster Eindruck - also nach den ersten Klängen, die ich gehört habe - war die, das ich keine Anlage gehört habe.
Absolut keinerlei Eindruck irgendeiner „Reproduktion“ oder „Wiedergabe“ - es waren die Instrumente und Interpreten im Raum, völlig authentisch, selbsverständlich und glaubhaft.
Was mir im Weiteren auffiel, war die „Ruhe“ jedweder Darbietung.
Es war eben die gewisse innere Ruhe, die man bei anderen - meist preiswerteren Anlagen - irgendwie vermisst - die einem unbewusst aber unmissverständlich klarmacht, das da etwas „künstliches“ wiedergegeben wird. Das dürfte auf die „hochwertigen“ Geräte sowie die „saubere“ Stromversorgung zurückzuführen sein. Auch die Vorstufen mit Röhren (bei den DACs und dem Pre) dürften speziell in der „Kleinsignalverarbeitung“ hierfür mit ein Grund sein.
Die Instrumente und Interpreten waren auch völlig „losgelöst“ von den Boxen - fast egal wo man sich im Raum befand. Ich saß z. B. deutlich ausserhalb des Sweetspots, fast vor der linken Box (und auch recht weit entfernt). Auch wenn des öfteren jemand vor den Boxen rumlief (und damit diese quasi verdeckte) war dies nicht hörbar.
Das zeigt, daß die Boxen offenbar rel. viel Energie in den Raum „verteilen“ und auch die Art der Reflexionen an den Hörplätzen gut „passen“.
Ich habe auch mal direkt neben und hinter einer Box gestanden und auch da schien tonal fast nichts zu fehlen und auch die Lokalisation war immer noch außerhalb der Boxen. Offenbar haben die YGs ein recht breites Abstrahlverhalten, das in Verbindung mit der Aufstellung und dem Raum (der kaum bekämpft und eher normal bis hallig ist) für die entsprechenden Reflexionen sorgt.
Die Boxen standen ca. 2m auseinander und auch ca. 2m von jeder Wand weg. Die Hörplätze waren dann in ca. 5 bis 6m Entfernung.
Sicherlich spielt auch die oben erwähnte „Ruhe“ der gesamten Anlage hierbei eine Rolle, aber n. m. E. ist das Abstrahlverhalten und das mit dem Raum daraus resultierende Reflexionsverhalten hierfür mitentscheidend.

 

Nachtrag 14.07.2016

Vor kurzem hatte ich ein weiteres Erlebnis, das einige Einschätzungen des Autors sehr schön bestätigt.
Ich habe meine Anlage um einen Netzfilter/Conditioner (LAB 12 Gordian) erweitert. Das Gerät filtert Störungen aus dem Netzstrom, verhindert das Störungen der angeschlossenen Geräte über die Netzleitung weitergelangen und es konditioniert die Netzversorgung (Power Factor Correction).

Es verbesserte die Wiedergabe in fast allen Aspekten! Die Musik steht noch losgelöster und souveräner im Raum. Details werden klarer und deutlicher hörbar und besonders Nuancen werden besser wahrnehmbra. Besonders überrascht bin ich von der deutlcih besseren Tonalität! Stücke, die vorher schrill und tonal unausgewogen klangen (speziell laute Stimmen) sind jetzt mehr als erträglich und klingen natürlicher.

Obwohl alle angeschlossenen Geräte mehr oder weniger aufwendige Netzteile mit eigenen Filtern etc. haben, scheinen die – im Vergleich zum Musiksignal ja sehr kleinen – Signale die über das Netz kommen, das Musiksignal derart zu beeinflussen, das es zu solch deutlichen Veränderungen kommt. Die Tatsache, daß es auf fast alle Aspekte der Wiedergabe einen Einfluss hat, verdeutlicht die Bedeutung selbst kleinster Signalveränderungen.

Die Wichtigkeit „einer sehr hohen Präzision bei der Wiedergabe von Dynamik, vor allem von sehr kleinen Signalen“ – die Wichtigkeit der guten Reproduktion von Nuancen.

 

 

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Joachim Liepold

im März2016